Парадоксы Пабло Пикассо

1881-1973

Пабло Пикассо (1881–1973), самый известный художник XX века, создал более двадцати тысяч работ. Уже одно это сохранило бы его имя в истории мирового искусства. Но было и другое, главное: безудержность темперамента, бушующие страсти его героев, поражающая легкость фантазии — то мрачной и саркастической, то легкой и просветленной. Гений Пикассо проявился и в изобретении бесконечного числа новых форм в живописи, скульптуре, рисунке. Он стал новатором стилей и методов в искусстве своего столетия. Однако этому предшествовала классическая, традиционная школа.

Начало

Художник родился 25 октября 1881 г. в Испании, в небольшом городке Малаге. Отец — учитель рисования дон Хосе Руис — был его первым наставником. Дарование Пабло обнаружилось рано. Уже в двенадцать лет он работал вместе с отцом, доделывая его картины, но тогда же появились и первые самостоятельные произведения. В этот период он начал посещать Школу изящных искусств в Барселоне, куда в 1895 г. переселилась его семья. Благодаря этому здесь существует первоклассный музей Пикассо, где хранятся ранние рисунки и этюды. Они яркие свидетели того, как быстро он овладел профессиональными навыками, как рано обрел свой почерк.

В возрасте 16 лет начинающий художник отправился в Мадрид и поступил в знаменитую Академию Сан-Фернандо. Однако здесь Пикассо задержался ненадолго. Менее года он посещал классы лучшей художественной школы Испании. Атмосфера консерватизма и враждебность ко всему новому, что появлялось в современной культуре, разочаровали Пикассо. Вскоре, м ежду 1900 и 1902 гг., он совершил три поездки в Париж, где познакомился с новыми направлениями в искусстве и дерзкими, порой ошеломляющими экспериментами французов. В 1904 г. испанец окончательно решил обосноваться в художественной столице мира.

Сентиментальная увертюра

Творчество Пикассо открывают два периода, когда он обретает свое лицо, узнаваемый почерк, создает вполне самостоятельные работы. К этому времени он становится вполне самобытным художником, полностью изжившим академизм и влияние французских импрессионистов.

Сначала — «голубой период», названный так по доминирующей колористической гамме его картин. Эти оттенки голубого и синего в течение нескольких лет (1900–1904) сопровождали те безрадостные и печальные сюжеты, которые он находил в окружающей его жизни. Он говорил о человеческих страданиях, рисовал слепых, нищих, алкоголиков, изгоев общества. В эти годы художник жил в среде полунищей богемы то в Париже, то в Барселоне, нередко сам голодал, бедствовал. О том времени французский поэт Макс Жакоб вспоминал: «Мы жили плохо, но прекрасно».

Преобладающим настроением этих картин стала сентиментальная меланхолия в сочетании с жестоким натурализмом, выраженная сумрачными и холодными оттенками голубого цвета. Таков портрет близкого друга, художника и поэта Сабартеса, написанный в 1901 г. (ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва). Пикассо пишет человека, погруженного в печальные размышления, подчеркивает его одиночество. Фигура Сабартеса предельно плоскостна, как и фон картины. Мазки синих, зеленых, фиолетовых тонов определяют стиль живописи. Цвет, линия, контур не столько изображают реальные предметы, сколько раскрывают внутреннее состояние человека, атмосферу его бытия. Это не портрет в обычном его понимании, запечатлевший облик человека, а скорее «портрет души».

Зрелище ранящих страданий, трагического одиночества воплотилось и в картинах Пикассо «Старый еврей с мальчиком» (1903, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва), «Мать с ребенком» (1903, Музей Пикассо, Барселона). Здесь появляется символика жизни и смерти, которая найдет продолжение в последующие годы. Эти работы стали сентиментальной и одновременно жесткой увертюрой к более позднему творчеству художника, где он с яростной силой обнажал самые зловещие мотивы жизни.

Однако в 1905–1906 гг., в так называемый «розовый период», появляются иные интонации. Когда Пикассо поселился в Париже, в сумрак испанской души проникли теплые лучи Франции, хотя его героями по-прежнему оставались неприкаянные комедианты, танцовщики, акробаты и обездоленные. Художник начал писать в розово-золотистых и розово-серых тонах. Именно тогда возникли нежные «Девочка на шаре» (1905) и «Мальчик с собакой» (1905, Государственный Эрмитаж, Петербург). Тогда он обрел известность, его картины завоевали первый успех.

Непредсказуемый и дерзкий

Но наряду с этими светлыми, почти идиллическими работами в 1907 г. у Пикассо появляются другие, странные вещи. Он начинает совсем новый, непохожий на прежний период. Самой известной картиной этих лет стали «Авиньонские девицы» (1907) — полный, головокружительный разрыв с прежним, привычным. Впрочем, написана она еще в розово-голубой гамме, но с использованием уже новых, красно-коричневых тонов. Эти пять женских фигур-фантомов — другое, дерзкое и невиданное доселе искусство. Пикассо начинает ломать форму, разлагать ее.

С этого времени молодой художник избирает новаторский путь и становится вождем нового направления. В 1907–1914 гг., работая вместе с Жоржем Браком, он, руководствуясь исключительно внутренними импульсами, совершает художественную революцию. Так в истории искусства появился кубизм.

Теперь реальные формы превращаются в геометрические блоки. Фигуры строятся из плоскостей, хотя еще и сохраняют образ реального мира, — так написана «Королева Изабо» (1909, ГМИИ им. А.С. Пушкина). Пикассо рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве. Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, а сами картины зачастую сводятся к загадочным ребусам. «Портрет Амбруаза Воллара» (1910, ГМИИ им. А.С. Пушкина), известного владельца галереи, коллекционера, знатока искусства, друга художника, кажется уподобленным осколкам зеркала. Из фрагментов плоскости проступает едва намеченное лицо — изображение человека разъято на части. Эта работа была приобретена И.А. Морозовым в 1913 г. у самого Воллара.

Однако поворот в судьбе (первая женитьба 36-летнего enfant terrible ), новые светлые умонастроения, атмосфера послевоенного Парижа и, наконец, громкий успех в обществе обусловили частичный возврат Пикассо к фигуративной живописи. Пример тому «Портрет Ольги Хохловой» (1917), «Портрет сына художника в костюме Пьеро» (1925). Впрочем, это продлилось недолго, поскольку даже тогда он писал кубистические натюрморты.

Гений иронии и гротеска

Художественные метаморфозы Пикассо порой были столь внезапны, что выстроить все его стилистические фантазии в одну линию не всегда возможно. Направления наслаивались друг на друга, поиски нового сочетались с возвратом к старым экспериментам.

Художник не раз оказывался в состоянии внутреннего кризиса, болезненной самоуглубленности, когда торжествовал дух отрицания. В 1930–1940 гг. деформация и разложение формы в творчестве Пикассо достигают апогея и обретают экспрессионистическое звучание. Трагическое начало как отражение непосредственных событий становится в этот период определяющим. Поистине ошеломляющим взрывом, ключевой и самой масштабной работой тех лет стала «Герника» (1937).

В обобщающую метафору страдания превратилась «Плачущая женщина» (1937), лицо которой уподоблено ужасающей игре сломанных линий и уродливых нагромождений форм.

Да и во многих других созданиях художника того времени мир обретает черты кошмарного сна, мрачной фантазии, часто окрашенной иронией или гротеском. Пикассо начинает создавать зловещих фантомов, человеческие образы («Женщина на берегу моря», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), похожие на средневековые химеры. С беспощадным сарказмом составляет он причудливое женское тело из частей каких-то механизмов, а голову трактует как гаечный ключ.

Жизнь есть сон

Нельзя, однако, пройти мимо феерических графических работ зрелого Пикассо. Иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия, созданные в 1930 г., цикл офортов «Художник и модель» (1930-е), «Минотавр» — поражают графическим изяществом, эффектными ракурсами, элегантными линиями. Пикассо создает то шутливые, то пленительные листы с героями, овеянными нежностью, волнующей экспрессией или пронизанные жестокой эротикой. Но всегда это ошеломляющая техника, часто классический рисунок с добавлением прихотливого арабеска, нервозности и завораживающей изобретательностью линий.

Художник трагедии вспоминает об идиллии. В офортах «Любовь Юпитера и Семелы» (1930) или «Скульптор и натурщица» (1933) он воплощает образ любви и природы, союз двух существ, необходимых друг другу. А вот образ Минотавра — символ стихийной силы и сексуальной агрессии. Пикассо не следует буквально за мифологическими сюжетами, а создает свой мир, переосмысленный, трансформированный сознанием человека XX века. «Минотавр, рассматривающий спящую» (1933) — мрачное чудовище, готовое к насилию.

Мрачные видения неистового испанца, порожденные его фантазией, обратились в пророчества и предвестия катастроф средины и второй половины XX века. Те сюрреалистические тенденции, которые он встраивал в свои прежние работы, теперь достигли предельной концентрации в еще более чудовищных фантомах, которые создавал его бушующий темперамент. Это был бунт против человеческой природы, можно сказать, ее поругание. «Причесывающаяся женщина» (1940) или «Натюрморт с черепом быка» (1942), с их растерзанными, конвульсивными формами и мрачным символами, несут в себе какой-то темный ужас, обнажают скрытое уродство мира, запятнавшего себя невиданными злодеяниями. Даже забавная «Кошка, поймавшая птицу», написанная маслом в духе детского рисунка в 1939 г., невольно заставляет содрогнуться. Именно в этом году Испания попала под власть фашистского режима, а Чехословакия была захвачена нацистской Германией.

Эпилог

После Второй мировой войны Пикассо по-прежнему живет в Париже. Он не на минуту не покидал Францию в годы оккупации, хотя его не раз приглашали в Соединенные Штаты Америки. После краха нацизма и освобождения французской столицы в искусстве художника начинают появляться мажорные мотивы. Они воплотились, к примеру, в грандиозном ансамбле «Храм мира» в Валлорисе. Новый период открывает известная статуя 1944 г. из бронзы «Человек с ягненком» (Валлорис).

С середины 1950-х Пикассо обращается к необычным вариациям на тему классических живописных полотен. Он использует картины старых мастеров, трансформируя их в свои образы, наполненные новым смыслом. В их ряду «Алжирские женщины» Делакруа (1954), «Завтрак на траве» Мане (1960), «Менины» Веласкеса (1968). Не столь давно эти параллели можно было увидеть на выставке в ГМИИ имени А.С. Пушкина.

В 1958 г. Пикассо создал монументальную композицию «Падение Икара» для здания ЮНЕСКО в Париже.

Умер великий испанец в апреле 1973 г. в Мужене, во Франции, оставив огромное состояние и множество работ. Его картины, рисунки, скульптуры и коллажи украшают многие великие собрания мира и частные коллекции.