АРТ–ГАЛЕРЕЯ

Александр МАЙКАПАР

Игорь Стравинский

Родился: 17 июня 1882 года в Ораниенбауме, недалеко от Санкт-Петербурга.

Умер: 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке.

Музыкальные жанры, в которых писал: балет, опера, симфония, оркестровая, камерная, хоровая и фортепианная музыка.

Повлияли на творчество: импрессионисты, Н.А. Римский-Корсаков, композиторы Могучей кучки, Гендель, Моцарт, Веберн, джаз.

Современники: Ж. Турина, З. Кодай, А. Шёнберг, А. Веберн, А. Казелла, С. Прокофьев, Д. Шостакович.

1882–1971

Писать об Игоре Стравинском легко. Почти всё его композиторское наследие издано, исполнено и записано. Оно составляет в Сводном каталоге грамзаписей классической музыки (Red Classical Catalogue), ежегодно издающемся на Западе объемом около 3000 страниц, шесть страниц большого формата мельчайшим шрифтом в три колонки (!). Опубликовано множество воспоминаний самого композитора и материалов о нем («Хроника моей жизни», «Диалоги», эпистолярное наследие, масса интервью).

Писать об Игоре Стравинском трудно. Эта трудность заключается в необычайной широте интересов композитора, огромном разнообразии его творческого наследия, и проблема не столько в том, чтобы этот материал раздобыть, сколько в том, чтобы в нем не утонуть.

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ВПЕЧАТЛЕНИЯ

Отец Игоря Стравинского, Федор Стравинский, был знаменитым оперным басом, солистом Русской императорской оперы. Его выдающейся ролью стала партия Варлаама в «Руслане и Людмиле» М.Глинки. Не удивительно, что первые музыкальные впечатления Игоря, одного из четырех братьев в семье Стравинских, были связаны с оперным театром.

Об одном из представлений оперы Глинки Стравинский писал: «Вечер этот мне очень памятен, и не только потому, что я был в восторге от музыки, — а она меня буквально сводила с ума, — но и потому, что мне посчастливилось увидеть в фойе Петра Ильича Чайковского, кумира русской публики, которого я никогда до этого не встречал и которого мне не суждено было больше увидеть. Это было вскоре после того, как он дирижировал своей новой, «Патетической», симфонией, исполнявшейся тогда в Петербурге. Две недели спустя мать повела меня на концерт, где та же симфония была исполнена уже в память своего автора, унесенного в несколько дней холерой». Это второе исполнение состоялось 6 ноября 1893 года в зале Дворянского собрания, дирижировал Э.Направник. Тогда симфония на всех произвела потрясающее впечатление. «С этого дня, должно быть, и началась моя сознательная жизнь как артиста и музыканта», — констатировал Игорь Стравинский.

Другие яркие и более ранние музыкальные впечатления Стравинского были связаны с его жизнью летом в деревне. «Я часто вспоминаю, — писал композитор, — пение баб из соседней деревни. Их было много, и они пели в унисон каждый вечер, возвращаясь с работы. И сейчас еще я помню точно этот напев и их манеру петь. Когда дома, подражая им, я напевал эту песню, взрослые хвалили мой слух. Помнится, эти похвалы доставляли мне большое удовольствие». Эти впечатления, безусловно, питали творческую фантазию композитора. В результате мы можем наслаждаться целой серией его обработок русских народных песен, созданных в 1913–1919 гг., еще до отъезда композитора за границу. Это «Воспоминания о моем детстве» (1913), «Прибаутки» (1914), «Четыре русские песни» (1918–1919).

Оперные партитуры, над которыми работал отец, были доступны Игорю и снабжали мальчика богатой музыкальной пищей. Но отец, как ни странно, не поддерживал музыкальных устремлений сына и отправил его получать юридическое и философское образование в университет — довольно частый выбор в среде интеллигентных родителей того времени. В какой-то момент Игорь познакомился с сыновьями Н.А. Римского-Корсакова, Владимиром и Андреем. Через это знакомство он стал вхож в дом Римского-Корсакова, стал близким другом дома. После смерти отца в 1902 году Игорь начал брать уроки композиции у Н.А. Римского-Корсакова, который относился к нему необычайно тепло и можно сказать заменил ему отца. Никакой платы за свои занятия он с Игоря не брал.

Эти уроки и самостоятельное изучение полифонии были единственные формальные занятия музыкой Стравинского, ни в какой консерватории он не учился.

Музыкальная жизнь Петербурга времен юности Стравинского давала ему много духовной пищи. С одной стороны, это было влияние Н.А. Римского-Корсакова и А.К. Глазунова, которых он в то время очень любил, с другой — знакомство с французскими композиторами С. Франком, Венсаном д’Энди, Э. Шабрие, Г. Форе и в первую очередь с Клодом Дебюсси. Показательно, как отозвался о последнем Римский-Корсаков, когда Стравинский спросил его мнение: «Лучше его не слушать; того и гляди привыкнешь, а в конце концов и полюбишь».

ЭКСТРАОРДИНАРНОЕ РАЗВИТИЕ

Важным моментом в жизни Стравинского стало исполнение двух его симфонических произведений — «Фантастического скерцо» и «Фейерверка» — в 1909 г. в Петербурге в одном из «Концертов Зилоти». «Отсюда началось мое знакомство с Дягилевым, — вспоминал композитор, — которое продолжалось двадцать лет, до самой его смерти, и перешло в глубокую дружбу, выросшую из взаимной привязанности».

Антреприза С. Дягилева. Персонажи балета «Петрушка»
Фотомонтаж. 1911

Именно этому знакомству и сотрудничеству мы обязаны появлением балета Стравинского «Жар-птица». Он был поставлен в 1910 г. в рамках дягилевских сезонов в Париже. С этого момента началась и уже непрерывно продолжалась всемирная слава Стравинского. Почти сразу же после успеха «Жар-птицы» Дягилев заказывает Стравинскому новый балет. Теперь это был «Петрушка» — «потешные сцены в четырех картинах», как обозначил это действо сам композитор. И вновь триумф Стравинского!

М. Фокин. 1905

Партитура «Петрушки» может считаться поворотным пунктом в истории музыки XX века: она открыла миру новую силу необычайно наэлектризованного ритма, оригинальную, порой дерзкую инструментовку, смелое сочетание, казалось бы, несоединимых ладов (эпизоды, написанные в разных тональностях, звучащих одновременно). Эти новшества подчеркивают экстраординарное развитие композитора. Теперь он превозносился как самый значительный из живущих композиторов, он стал можно сказать иконой авангардного искусства Парижа.

ЧЕРЕДА ПРЕМЬЕР

К постановке «Петрушки» Дягилев привлек лучшие художественные и артистические силы: в создании либретто, а затем и сценографии участвовал А. Бенуа (ему балет и посвящен). Постановку осуществил М. Фокин. Премьера состоялась в Париже в театре «Шатле» 13 июня 1911 года.

Идея балета родилась у композитора не сразу. Поначалу Стравинский сочинил небольшую концертную пьесу для оркестра с солирующим роялем. В этой пьесе оркестр и рояль из послушных исполнителей композиторской воли превращаются в самостоятельно действующих персонажей, «жизнь» которых, точнее, спектакль, который ими разыгрывается, композитор наблюдает как бы со стороны, из ложи какого-то неведомого театра.

И. Стравинский с участниками антрепризы С. Дягилева
Сидят (слева направо): Н. Гончарова, И. Стравинский;
стоят: Л. Мясин (балетмейстер), М. Ларионов, Л. Бакст. 1915

«Когда я сочинял эту музыку, — вспоминает Стравинский, — перед глазами у меня был образ игрушечного плясуна, внезапно сорвавшегося с цепи, который своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр, в свою очередь отвечающий ему угрожающими фанфарами. Завязывается схватка, которая в конце концов завершается протяжною жалобой изнемогающего от усталости плясуна. Закончив этот странный отрывок, я целыми часами гулял по берегу Леманского озера, стараясь найти название, которое выразило бы в одном слове характер моей музыки, а следовательно, и моего персонажа. И вот однажды я вдруг подскочил от радости: «Петрушка»! Вечный и несчастный герой всех ярмарок, всех стран! Это было именно то, что нужно, — я нашел ему имя, нашел название!»

Кто знает, может быть, «Петрушка» так и остался бы жить в форме концертной пьесы для рояля с оркестром, если бы не Дягилев. Слушая эту музыку, он ее «увидел».

В. Серов. Портрет С. Дягилева. 1904

Поразительно, но огромный успех «Петрушки» оказался превзойденным новым балетом Стравинского — «Весна священная». В сценической премьерной версии участвовали В. Нижинский (хореография) и Н. Рерих (декорации и костюмы). Премьера состоялась в Париже в Театре Елисейских Полей 29 мая 1913 г. Принято считать, что это был самый большой скандал в истории музыки: спектакль закончился массовыми беспорядками — настолько противоречивой была реакция публики: одни свистели и топали ногами, другие — среди них Дебюсси и Равель — стоя криками выражали свой восторг и поддержку. Сам композитор вспоминал: «Я не имел возможности судить об исполнении во время спектакля, так как покинул зал после первых же тактов вступления, которые вызвали смех и издевательства. Меня это возмутило. Выкрики, сначала единичные, слились потом в общий гул. Несогласные с ними протестовали, и очень скоро шум стал таким, что нельзя было уже ничего разобрать»*.

Пабло Пикассо. Игорь Стравинский. 1919

Последующие исполнения всегда приносили успех этому произведени и его автору.

Следующий год — и новая премьера. На сей раз это была опера — «Соловей». Предложение написать оперу поступило композитору из Москвы от директора только что созданного «Свободного театра». Стравинский колебался, браться ли за новую работу, когда еще не завершена «Весна священная», но в конце концов он принял это предложение. Однако пока он, хотя и очень быстро, создавал это произведение, театр распался. В результате премьера и на сей раз состоялась в Париже, а не в Москве, 26 мая 1914 г. в рамках дягилевских «Русских сезонов».

ПРОТИВ ПРОИЗВОЛА ИНТЕРПРЕТАТОРА

Примерно в это же время Стравинский познакомился с Эрнестом Ансерме, дирижером, руководителем оркестра в Монтрё (Французская Швейцария). Они жили по соседству и вскоре подружились. Как-то Ансерме предложил Стравинскому взять дирижерскую палочку и продирижировать собственной Первой симфонией. Так началась дирижерская карьера Стравинского.

Различные музыкальные направления
в графическом изображении И. Стравинского. Автограф

Нужно сказать, что Стравинский имел совершенно определенные взгляды на то, как должна исполняться его музыка. Он был неистовым апологетом максимально точного исполнения того, что записано в партитуре, и не терпел никаких вольностей — всего того, что именуется «интерпретацией», а в сущности, по мнению Стравинского, является неоправданным произволом исполнителей. Известны его очень резкие высказывания на этот счет: «Интерпретировать произведение — значит создавать его портрет; мне же необходимо исполнение сочинения как такового, а не портрет. Из-за тех изменений, которые происходят во время исполнения, страдает вся музыка… Я заключаю: когда вполне определенная эмоциональная основа является «центром притяжения» в той или иной композиции, когда автор придает ей такую силу выразительности, что никакая другая сила (к примеру, воля или личные пристрастия исполнителя) не способна добавить к ней ничего, дабы не стать чем-то утрированным, тогда композитор невольно становится единственным интерпретатором своих чувств, отображенных в музыке. Композитор, ставши интерпретатором своих сочинений, становится и их исполнителем».

А. Бенуа. Эскиз декорации к балету «Соловей». 1911

Первое публичное выступление Стравинского в качестве дирижера состоялось в 1915 году в Женеве. Композитор дирижировал своей «Жар-птицей». За дирижерскую карьеру, которая закончилась в 1967 году, Стравинский выступал как симфонический и театральный дирижер во всех крупных городах мира.

ГРАЖДАНИН МИРА

Годы перед Первой мировой войной были необычайно продуктивны для Стравинского. Кульминацией этого периода оказался балет «Весна священная». Но если говорить обо всем «русском периоде», завершившемся примерно в 1920 году, то вершиной его можно считать «Свадебку». Сам комозитор так пояснил содержание этого своего произведения: «Свадебка» — это последование типичных эпизодов, воссозданное из обрывков типичных для данного обряда разговоров… В «Свадебке» нет индивидуальных ролей, есть лишь сольные голоса, которые отождествляются то с одним, то с другим персонажем».

«Свадебку» Стравинский писал, уже живя в Швейцарии, куда он переехал в августе 1914 г. и где провел шесть лет, часто выезжая во Францию, Испанию, Италию для исполнения своих произведений.

С 1920 г. композитор живет во Франции, а с 1940 — в США. В сущности, Стравинский был «гражданином мира». И хотя русские корни имели для него, по его собственному признанию, первостепенное значение, художественные и творческие инетересы его были необычайно широки, и эта широта формировала его различные стили. О преобладании одного или другого можно говорить, характеризуя разные периоды жизни композитора.

За «русским периодом» последовал, как его принято именовать, «неоклассицистский». Первым произведением в этом стиле был «балет с пением» «Пульчинелла» (1920). Стилистика неоклассицизма, захватившая не только Стравинского (достаточно назвать Первую симфонию, «Классическую», ор. 25, С. Прокофьева), оставалась господствующей в творчестве Стравинского на протяжении более тридцати лет.

П. Пикассо. Эскизы костюмов Пимпинеллы и Пульчинеллы. 1920. Париж

Один только перечень созданного Стравинским за это время занял бы несколько страниц. Вот названия самых значительных произведений: опера «Мавра» (1922; указываются годы премьер), опера «Царь Эдип» (1927), балет «Поцелуй феи» (1928), балет «Аполлон Мусагет» (1928), «Симфония псалмов» (1930), мелодрама «Персефона» (1934).

АПЕЛЛЯЦИЯ К ИЗБРАННЫМ

В 1947 г. в ближайшем окружении Стравинского появляется молодой дирижер Роберт Крафт. Он стал фактически musical factotum (мукальный поверенный) Стравинского. Композитор не только доверял молодому дирижеру исполнение своих произведений, но охотно принял предложение вести запись их бесед о музыке. Р. Крафт постоянно находился вблизи Стравинского, жил в его доме. Нужно признать, что Крафт был в полной мере осведомлен о творчестве Стравинского, поэтому записи их бесед (частично опубликованные в русском переводе в книге: Игорь Стравинский. Диалоги. – Л., 1971) содержат массу важных и интересных рассуждений, высказываний и наблюдений композитора.

В значительной степени в силу влияния Крафта Стравинский сменил технику композиции, обратился к додекафонной системе, «отцом» которой был Арнольд Шёнберг, с которым Стравинский лично встретился лишь однажды, в 1912 г., хотя в Голливуде они жили по соседству.

В поздние годы Роберт Крафт стал его связным, человеком, который осуществлял связь Стравинского с внешним миром и дирижировал его произведениями.

И Стравинский в Большом зале Ленинградской филармонии. 1962

В 1962 г. И. Стравинский, впервые после своего отъезда из России, приехал в Советский Союз. Его с восторгом принимали в Москве и Петербурге. Концертами из его произведений дирижировал он сам и Р. Крафт. Перед отъездом его принял Н.С. Хрущев, который предложил композитору вернуться на родину.

Умер И. Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971 года.

Американский музыковед Гарольд Шонберг, автор книги «Великие композиторы», писал: «Сомневаюсь, что кто-либо другой из композиторов за всю историю музыки, включая Баха и Веберна, продемонстрировал такую логику в своих музыкальных творениях, как Стравинский. Многое в том наслаждении, которое доставляет слушание его музыки, заключается в ее интеллекутальности: слушатель всегда осознает, что перед ним предстает великий ум — очаровывающий, острый, но, прежде всего, организованный. Музыка Стравинского многое говорит, но только соответственно устроенному типу ума, адекватному уму самого Стравинского. Иными словами, такому уму, который находит наслаждение в совершенстве формы, техники, ритма, стилизации. Там, где Бетховен, Шуберт и даже Бах обращаются к слушателю любого уровня, Стравинский апеллирует к избранным».

* Когда партитура «Весны священной» была выставлена на аукционе в 1982 году, ее приобрел швейцарский филантроп Пауль Захер, глава фармацевтической компании, за $ 548 000 – самая высокая цена за какой бы то ни было автограф какого бы то ни было композитора. Фонд Захера в настоящее время хранит полный архив Стравинского, составляющий 166 ящиков писем и 225 ящиков музыкальных автографов композитора стоимостью $ 5 250 000.